À l’époque où j’ai commencé, le paysage était très différent et, avouons-le, plus accueillant pour les jeunes talents. Il y avait une multitude de laboratoires photographiques, de magasins spécialisés et le marché chez les professionnels n’était pas encore saturé. La presse se portait bien et les budgets publicitaires permettaient de réelles opportunités, que ce soit à Bruxelles ou dans les autres grandes villes du pays.

Aujourd’hui, le défi est plus grand. Pour un jeune qui veut percer, je pense qu’il faut idéalement viser des structures solides comme les agences de presse. Certes, si vous avez la chance d’être pris, vous n’allez pas forcément réaliser les reportages les plus prestigieux immédiatement, mais vous aurez déjà un pied dans le milieu, ce qui est capital. Certains photographes indépendants prennent encore des stagiaires, mais c’est devenu plus rare : pour que l’apprentissage soit réel, il faut que le photographe ait un flux de travail suffisant pour occuper et former quelqu’un à plein temps. Mon conseil ? Soyez tenace et visez les lieux où l’image se fabrique encore à grande échelle.

C’est une question vaste et complexe. Aujourd’hui, nous faisons face à la concurrence massive des smartphones et, parfois, à un certain manque d’éducation photographique du public. Il n’est plus rare de voir des entreprises confier leurs images à un membre du personnel équipé d’un téléphone. C’est une réalité : c’est du travail en moins pour le professionnel.

Issu du monde de la presse, j’ai vu les budgets fondre « comme neige au soleil ». Pour moi, la clé de la survie est la réinvention perpétuelle.

• Viser le haut de gamme : Il faut aller vers des clients (particuliers ou entreprises) qui comprennent la valeur d’un portrait d’exception et qui ont le budget nécessaire.

• Maîtriser la chaîne de production : Un portfolio doit démontrer une capacité à gérer une production lourde (maquilleuse, styliste, assistants, éclairage).

• Le droit à l’erreur n’existe pas : Sur une grosse production, les enjeux financiers sont tels que chaque intervenant doit être parfait. C’est cette expertise globale que le client achète, bien plus qu’une simple photo. Enfin, il est primordial d’être visible sur le web avec un site optimisé sur les bons mots-clés.

C’est une question très pertinente. Tout changement d’habitude peut causer des ravages si on ne s’y prépare pas. Mais ma philosophie a toujours été de prendre le train en marche. Notre métier en a connu d’autres : le passage de la plaque de verre à l’émulsion, du noir et blanc à la couleur, et surtout le séisme du passage de l’argentique (le fameux bromure d’argent, AgBr) au numérique. J’ai vu des confrères disparaître parce qu’ils n’ont pas voulu ou su s’adapter.

Pour moi, l’I.A. est un outil extraordinaire, au même titre que Photoshop. En réalité, qui est mieux placé qu’un photographe pour parler à l’I.A. ? Pour générer des images crédibles via des « prompts », il faut utiliser des termes techniques précis (focale, type de lumière, grain) que seuls les initiés maîtrisent. J’ai déjà réalisé des essais avec Midjourney qui se sont révélés très probants. En restant curieux, en enlevant ses œillères et en intégrant ces outils à notre workflow (pour gagner du temps en retouche par exemple), on peut vivre avec son temps tout en préservant son identité et sa créativité.

Le style, ce n’est pas un réglage sur une application ; c’est une culture visuelle. Pour moi, mon regard s’est forgé en regardant les ombres de Jeanloup Sieff ou le glamour de Helmut Newton. Aujourd’hui, on consomme l’image comme du « fast-food » : c’est vite vu, vite oublié.

Avoir un style, c’est prendre le contre-pied de cette vitesse. C’est décider de sculpter la lumière avec des diffuseurs, de choisir un cadrage qui raconte une histoire plutôt que de simplement montrer un sujet. Mon style, c’est cet héritage de l’argentique appliqué au monde moderne : une exigence de pureté, un respect du grain et cette volonté de créer une image qui sera encore lisible et élégante dans vingt ans. On ne cherche pas le « buzz », on cherche l’intemporel.

Mes années passées à sillonner le globe pour la presse, de la Chine au Rwanda en passant par le Mexique, ont été ma véritable école de la lumière. À l’époque, je ne faisais pas encore de studio, je devais composer avec ce que la réalité m’offrait. Apprendre à lire la lumière rasante sur un temple Maya ou à capter l’instant juste lors d’une mission royale exige une réactivité totale.

Aujourd’hui, quand je travaille en studio, je ramène cette expérience du terrain entre mes quatre murs. Maîtriser l’éclairage artificiel me permet de recréer ou de sublimer ces atmosphères rencontrées aux quatre coins du monde. Le studio n’est pas une limite, c’est un laboratoire où j’utilise mon passé de reporter pour donner une âme et une profondeur « vécue » à mes portraits contemporains.

C’est un exercice de haute voltige où la discrétion est aussi importante que la technique. Accompagner le Roi Philippe ou couvrir des sommets internationaux demande une vigilance de chaque instant. Le droit à l’erreur est de 0 %. Il n’y a pas de « deuxième prise » quand un instant historique se produit. Cette rigueur, héritée de l’argentique et de la diapositive où chaque exposition devait être parfaite, est devenue ma signature. On apprend à anticiper le mouvement, à respecter le protocole tout en cherchant l’angle qui sortira du lot. C’est cette même exigence de perfection que j’applique aujourd’hui pour chaque client : qu’il s’agisse d’une personnalité publique ou d’un portrait privé, le niveau d’engagement reste le même.

Nous vivons dans une époque où l’image est devenue une denrée périssable, souvent retouchée à l’excès par des filtres automatiques. Ma vision, nourrie par le travail d’Annie Leibovitz ou de Peter Lindbergh, cherche au contraire l’intemporel. Avoir connu l’époque du bromure d’argent (AgBr) donne un respect particulier pour la matière et le contraste. En numérique, mon but est de retrouver cette noblesse du grain et cette vérité du regard. Un portrait réussi, pour moi, c’est une image qui ne se démode pas. C’est l’équilibre entre une technique moderne de pointe et une culture visuelle classique. Je ne cherche pas à suivre la tendance, mais à créer un patrimoine visuel pour ceux qui passent devant mon objectif.